Cuando empezaron a lanzarse películas en DVD, la mayoría de los aficionados a las bandas sonoras comenzaron a frotarse las manos, pues no eran pocos los títulos que incluían como extra la opción de ver el filme en cuestión con una pista en la que sólo escuchábamos la música (esto es, sin diálogos ni efectos sonoros). En ocasiones, y para evitar los silencios entre un corte y otro, también se oían las impresiones de un determinado compositor sobre su obra. Desde luego, este contenido adicional me parece bastante más interesante que ciertos comentarios de audio que, la verdad, resultan un tanto aburridos, sobre todo cuando en los mismos no intervienen el director o los protagonistas de la cinta.

El caso es que en los últimos meses apenas se han editado películas con esta interesante característica, de ahí que tengamos que recurrir a largometrajes que ya llevan un tiempo en el mercado. “28 días” (Richard Gibbs), “Algo para recordar” (Marc Shaiman), “Alien, el octavo pasajero” (Jerry Goldsmith), “Blade II” (Marco Beltrami), “Dos policías rebeldes” (Mark Mancina), “Con la muerte en los talones” (Bernard Herrmann), “Contact” (Alan Silvestri), “Doctor Zhivago” (Maurice Jarre), “El coleccionista de huesos” (Craig Armstrong), “El hombre bicentenario” (James Horner), “El hombre sin sombra” (Jerry Goldsmith), “El Mago de Oz” (Herbert Stothart), “El planeta de los simios” (Danny Elfman), “El último mohicano” (Trevor Jones/Randy Edelman), “Final Fantasy: La Fuerza Interior” (Elliot Goldenthal), “Inocencia interrumpida” (Marco Beltrami), “L.A. Confidential” (Jerry Goldsmith), “La cosa” (Ennio Morricone), “La Novia Cadáver de Tim Burton” (Danny Elfman), “Leyendas de pasión” (James Horner), “Mars attacks!” (Danny Elfman), “Robin de los bosques” (Erich Wolfgang Korngold), “Superman” (John Williams) y “Tienes un e-mail” (George Fenton) son un ejemplo de estos títulos.

En la imagen: Menú del DVD de “Superman” - Copyright © Warner Home Video. Todos los derechos reservados.

No soy un defensor a ultranza de la partitura de “Señales”, y ello a pesar de que se trata de un trabajo sin duda efectivo y a ratos brillante pero que, al menos bajo mi punto de vista, peca de una evidente falta de originalidad (la sombra de Bernard Herrmann es demasiado alargada). Sin embargo, uno de sus pasajes me fascina de manera especial, puesto que considero que, musicalmente hablando, es todo un ejemplo de lo que debe ser una banda sonora cinematográfica.

Me refiero a sus minutos finales, instante en el que James Newton Howard nos muestra su verdadero talento y consigue que las imágenes de M. Night Shyamalan, con quien volverá a trabajar en “El incidente”, adquieran una magistral intensidad emocional. Es lo que sucede cuando, por medio de un flashback, escuchamos las últimas palabras de la esposa de Graham o, sobre todo, en el momento en el que éste saca a su hijo fuera del hogar familiar después de haber sido capturado por un alienígena. La música se revela aquí como un elemento imprescindible para dotar de vida a tan brillante secuencia.

En la imagen: Fotograma de “Señales” - Copyright © 2002 Touchstone Pictures. Distribuidora en España: Buena Vista International. Todos los derechos reservados.

Menuda preguntita, ¿verdad? Sin embargo, uno tiene sus preferencias y, aunque intentaré elaborar un listado en el que dejaré a un lado algunas películas, bien sea de forma consciente o por un imperdonable olvido, cuento con su cooperación para completar esta relación (en la que, por cierto, no incluyo canciones). Ahí van (si pinchan en el enlace, escucharán el tema en cuestión): “Lo que el viento se llevó” (Max Steiner), “El halcón de los mares” (Erich Wolfgang Korngold), “Ciudadano Kane”, “De entre los muertos”, “Con la muerte en los talones”, “Psicosis” (Bernard Herrmann), “Ben-Hur”, “El Cid” (Miklós Rózsa), “La vuelta al mundo en 80 días” (Victor Young), “Los siete magníficos”, “La gran evasión” y “Matar a un ruiseñor” (Elmer Bernstein).

Y seguimos: “Horizontes de grandeza” (Jerome Moross), “La conquista del Oeste” (Alfred Newman), “Lawrence de Arabia”, “Doctor Zhivago” (Maurice Jarre), “Hatari!”, “La pantera rosa” (Henry Mancini), “Espartaco” (Alex North), “Rocky” (Bill Conti), “El bueno, el feo y el malo”, “Érase una vez en América”, “La misión”, “Cinema Paradiso” (Ennio Morricone), “007 contra el Dr. No” (Monty Norman), “El padrino”, “Amarcord” (Nino Rota), “Patton”, “Papillon”, “Chinatown”, “La profecía”, “Alien, el octavo pasajero”, “Star Trek: La película”, “Desafío total”, “Poltergeist”, “Instinto básico”, “Mulan” (Jerry Goldsmith), “Memorias de África” y “Bailando con lobos” (John Barry).

Y para finalizar… “Tiburón”, “Encuentros en la tercera fase”, “Star Wars. Episodio IV: Una nueva esperanza”, “Superman”, “Star Wars. Episodio V: El imperio contraataca”, “En busca del arca perdida”, “E.T. El Extraterrestre”, “La lista de Schindler” (John Williams), “Carros de fuego”, “Blade runner” (Vangelis), “Rain Man”, “Paseando a Miss Daisy”, “Llamaradas”, “El rey león”, “Marea roja”, “Gladiator (El gladiador)”, “El último samurái” (Hans Zimmer), “Willow”, “Leyendas de pasión”, “Titanic” (James Horner), “Batman”, “Eduardo Manostijeras” (Danny Elfman), “Conan, el bárbaro”, “Robocop” (Basil Poledouris), “Regreso al futuro”, “Forrest Gump” (Alan Silvestri), “El sexto sentido” (James Newton Howard), “El último mohicano” (Trevor Jones), “Dragonheart” (Randy Edelman), “Pocahontas” (Alan Menken), “Stargate”, “Independence day” (David Arnold), “El Señor de los Anillos” (Howard Shore) y “Descubriendo Nunca Jamás” (Jan A.P. Kaczmarek).

En la imagen: Fotograma de “Lo que el viento se llevó” © 1939 Selznick International Pictures y Metro-Goldwyn-Mayer. Todos los derechos reservados. Fotograma de “E.T. El Extraterrestre” © 1982 Amblin Entertainment y Universal Pictures. Todos los derechos reservados.

Hace unos días se dieron a conocer los nominados a los Saturn Awards, unos galardones que, a través de sus distintas categorías, se entregan a las mejores producciones de ciencia-ficción, fantasía y terror del año. Por supuesto, lo que aquí nos interesa es hablar del apartado dedicado a las bandas sonoras (en sus más de 30 años de vida, autores de la talla de Bernard Herrmann, Miklós Rózsa, John Williams, John Barry, James Horner, Jerry Goldsmith, Alan Silvestri, Danny Elfman o Howard Shore han conseguido alguno o varios de estos premios).

Este año, los nominados a la mejor música son los siguientes: Tyler Bates (“300″), Jonny Greenwood (“There will be blood [Pozos de ambición]”), Nicholas Hooper (“Harry Potter y la Orden del Fénix”), Mark Mancina (“August Rush”), Alan Menken (“Encantada: La historia de Giselle”) y John Powell (“El ultimátum de Bourne”). Si por mí fuera, está claro que el premio deberían llevárselo o Alan Menken o Mark Mancina, pues considero que sus obras son de una mayor calidad y resultan primordiales para el resultado final de las películas para las que han sido compuestas.

En la imagen: Fotograma de “Encantada: La historia de Giselle” © 2007 Walt Disney Studios Motion Pictures Spain. Todos los derechos reservados. Fotograma de “August Rush” © 2007 A.Zeta Cinema. Todos los derechos reservados.

“Psicosis” fue una película cuya banda sonora causó un profundo impacto en el mundo cinematográfico. Su guionista, Joseph Stefano, explica que conoció a «Bernard Herrmann un día hacia el final del rodaje y le pregunté qué tipo de orquesta iba a utilizar y respondió: “será toda de cuerdas”. Me quedé pasmado, porque nunca había oído hablar de una banda sonora hecha sólo con cuerdas». El conocido montador Paul Hirsch comenta que trabajó «con Bernard Herrmann en dos películas de Brian De Palma, una se titulaba “Hermanas” y la otra era “Obsesión”». «Hacía la música basándose en el contenido del material. Por ejemplo, describía su música para “Psicosis” como blanca y negra, sólo cuerdas, nadas más, porque quería reflejar la desnudez del blanco y negro en la película».

Además, Hirsch desvela una curiosidad: «cuando trabajé en “Star Wars. Episodio IV: Una nueva esperanza”, le pusimos música provisional a toda la película y en la mayor parte utilizamos música clásica, no música de películas […]. Pero había un momento para el que no encontrábamos la música adecuada y pensé en una entrada de “Psicosis”. Era la parte en la que el Halcón Milenario aterrizaba en la Estrella de la Muerte, los soldados de asalto registran la nave y no encuentran a nadie. Cuando están saliendo, la cámara desciende, se abre una trampilla en el suelo y Han Solo y Luke Skywalker y todos los demás salen del suelo. La música que introduje en ese momento era de “Psicosis”, un famoso motivo de tres notas […]. Lo puse ahí y John Williams, que hizo la música de “Star Wars. Episodio IV: Una nueva esperanza” y había sido amigo de Herrmann, cuando compuso la música para la película hizo una pequeña entrada para ese momento que utilizaba esas tres notas. Fue un homenaje a Herrmann».

Peggy Robertson, asistente personal de Alfred Hitchcock, considera que «la partitura de Benny Herrmann para “Psicosis” era brillante. De hecho, lo era tanto que Hitch y yo estábamos en la sala cuando se estaba grabando la música y llegamos al final, donde Tony Perkins baja al sótano y ve el esqueleto de la madre, eso iba sin música. Después Benny le preguntó a Hitch: “¿te gusta? ¿Qué te parece?”. Y Hitch respondió: “está bien, Benny, pero cuando Tony baja las escaleras y entra en el sótano, deberías utilizar el maravilloso tema de la secuencia de la ducha con lo violines. ¿Qué te parece?”. Benny dijo: “buena idea, Hitch”. Estaba entusiasmado con la idea, y dijo que Hitch tenía razón, así que hicimos el rollo con la música».

• “Psicosis”: La calidad y la influencia de esta magistral obra de Bernard Herrmann (I)

En las imágenes: Fotogramas de “Psicosis” © 1960 Shamley Productions y Universal Pictures. Todos los derechos reservados.

Por supuesto, nadie puede poner en duda las excelencias de la famosa pieza musical que el gran Bernard Herrmann escribió para una de las escenas más memorables de “Psicosis”, aquélla en la que Marion Crane (Janet Leigh) es asesinada por la “madre” de Norman Bates (Anthony Perkins). La utilización de los instrumentos de cuerda es soberbia y ayuda a que el espectador sienta en sus propias carnes las cuchilladas que recibe la hasta ese momento protagonista del relato (por cierto, las notas se van apagando al mismo tiempo que la vida de Marion, cuyo cuerpo termina tendido en la ducha). Sin embargo, Herrmann también escribió otras piezas igual de magistrales, caso de la que escuchamos durante los títulos de crédito iniciales del filme y que se utiliza de manera soberbia en los pasajes en los que Marion huye con el dinero en su coche (con anterioridad, los acordes del compositor describen a la perfección lo que está pasando por la cabeza de la mujer cuando finalmente decide cometer el robo).

Bates limpiando la escena del crimen o los pasajes finales, justo cuando Lila se adentra en la mansión para descubrir la verdad, son algunos de los momentos musicales de la película que también son dignos de mención. Joseph Stefano, el guionista de esta obra maestra de Alfred Hitchcock, deja bien claro la importancia de la banda sonora al desvelar que «yo no vi nada hasta que vi el montaje previo. Me pareció terrible […]. No se lo podía decir a Hitch, estaba sentado a mi lado. Me miró, me dio unas palmaditas en la rodilla y dijo: “sólo es el montaje previo, Joseph”. Y yo pensé: “de acuerdo, él es el maestro, está en sus manos”. La siguiente vez que la vi era una película completamente distinta. Tenía un buen ritmo y el montaje era fantástico. Entonces supe que era una buena película. Después la vi con la música y casi me caigo de la silla. La música me dejó asombrado. Nunca había oído nada igual».

En la imagen: Fotograma del documental “Cómo se hizo ‘Psicosis’” © 1997 Universal Home Video. Todos los derechos reservados.

Robert Wise habló en su momento del enérgico carácter de Bernard Herrmann. Así, «en “Ciudadano Kane”, vino un día y habíamos hecho algunos cambios en una de las secuencias, el ritmo no era el mismo que antes, se puso hecho una furia y dijo: “regreso a Nueva York”. Contesté: “me importa un bledo”. Salió bufando de la sala de montaje. Una hora más tarde, fui al comedor. Me saludó como si no hubiera pasado nada».

«Años más tarde, rodé un filme independiente para United Artists, titulado “The captive city”». A Herrmann «le habían hablado del proyecto. Le vi un día y me dijo: “quiero componer la música del filme”. Le dije: “no podemos pagar tu sueldo. Sólo tenemos 250.000 dólares”. Insistió: “quiero componer la música, quiero volver a trabajar contigo”. Al final le dije: “ven a mi despacho la semana que viene y hablaremos”. Vino a mi despacho y empezamos a hablar. Le dije: “no tenemos dinero”. Preguntó: “¿cuánto hay en el presupuesto para la música?”. Dije: “10.000 dólares”. Se subió por las paredes. Dijo: “Dios mío, es insultante. ¿Cómo puedes hacer algo así?”. Salió echando chispas». En todo caso, Wise consideraba que «Bernie Herrmann era un hombre muy interesante, porque no sólo era un buen músico y compositor, sino que también estaba muy interesado en la actualidad, leía de todo, sabía muchas cosas y tenía una opinión sobre cualquier tema. Podía hablar de cualquier cosa y lo hacía muy a menudo».

En la imagen: Fotograma del documental “Cómo se hizo ‘Ultimátum a la Tierra’” © 2006 20th Century Fox Home Entertainment. Todos los derechos reservados.

Aunque no es de extrañar que el nombre de Bernard Herrmann principalmente se asocie al de Alfred Hitchcock, este compositor también escribió otras maravillosas partituras, caso de “Ultimátum a la Tierra”. Al propio Robert Wise, el responsable de la cinta, le sorprendió la banda sonora, «porque no sabía qué equipo electrónico usaban. Aportaba mayor dimensión y sensaciones a la película. La impresión de otro mundo que necesitaba». Herrmann vio el largometraje una vez estuvo acabado, pues el director le llamó una vez concluyó el rodaje. «Quizá le contratáramos antes, pero no creo que hubiera aceptado sin ver el filme. No estoy seguro, pero seguramente había visto el guión. Debió de gustarle tanto el tema de la historia como a mí […]. No creo que hubiera aceptado hasta ver el montaje inicial, para ver qué le parecía».

Lo cierto es que su música ya capta nuestra atención desde los minutos iniciales de la cinta, siendo especialmente relevante en el momento en el cual se abre una compuerta en el platillo volante que ha aterrizado en Washington. El miedo y la incertidumbre de la gente se reflejan muy bien en sus notas, incrementándose cuando el autómata de Klaatu hace acto de aparición y consiguiendo lo más difícil, es decir, transmitir semejantes temores al espectador. Esto mismo sucede cuando la electricidad es neutralizada en todo el mundo, a excepción de hospitales o aviones en vuelo, por ejemplo, o en el pasaje en el que Helen ha de llevar un mensaje a Gort. En definitiva: todo un clásico.

En la imagen: Fotograma de “Ultimátum a la Tierra” © 1951 20th Century Fox. Todos los derechos reservados.

Incluso cuando el cine sonoro aún no se había inventado, la música era una parte importante de cualquier sala o teatro que exhibiera una obra muda (así, se utilizaban gramófonos, pianistas y hasta pequeñas bandas que amenizaban el visionado de la película en cuestión, si bien es cierto que este recurso también se empleaba para mitigar el ruido que generaban las bobinas de estos filmes). A partir de la década de los 30 (Erich Wolfgang Korngold, Max Steiner) y, posteriormente, en los 40, 50 y 60 (Alfred Newman, Dimitri Tiomkin, Miklós Rózsa, Franz Waxman, Bernard Herrmann, Victor Young, Nino Rota, George Delerue, Henry Mancini, Alex North, John Barry), grandes compositores crearon sobresalientes partituras que aun hoy son reconocidas por el gran público. Por supuesto que en años venideros se escribieron bandas sonoras de parecida calidad, pero también es verdad que se produjo un cambio en la sociedad y, por ende, en los gustos del público, de ahí que el sinfonismo de mediados del siglo XX tan sólo se mantuviera latente hasta que, allá por los 70, John Williams lo recuperara en un título tan relevante para la Historia del Cine como “Star Wars. Episodio IV: Una nueva esperanza”.

Poco después se inició otra revolución, empleándose con mayor frecuencia los elementos electrónicos e incluso combinándolos con la orquesta. Actualmente, la música de cine no atraviesa uno de sus mejores momentos. Los compositores más veteranos (Jerry Goldsmith, Elmer Bernstein) ya se han ido o no parecen tener cabida en el Hollywood contemporáneo (Ennio Morricone, Maurice Jarre). Otros autores han perdido la chispa de hace unos lustros, mientras que los nuevos valores tienen que acomodarse a las exigencias de una industria que limita su creatividad (de hecho, no son pocas las bandas sonoras originales que podrían utilizarse indistintamente en producciones de semejantes características).

Resultan llamativas las anécdotas que han sucedido con ciertas composiciones, desde la sustitución de Gabriel Yared en “Troya” por James Horner, ya que el trabajo del primero sonaba a demasiado “viejo” y no terminaba de convencer al estudio, hasta las fricciones de Danny Elfman con Sam Raimi en “Spider-Man 2″, por no hablar de lo que se ha hecho con la música de “300″, donde se introducen sin reparo alguno temas pertenecientes a “Titus”, de Elliot Goldenthal. Pero a pesar de este desalentador panorama, siempre estaremos atentos a las nuevas propuestas de, por ejemplo, James Newton Howard, Thomas Newman, Hans Zimmer, Alan Silvestri, Howard Shore, David Arnold, Alan Menken, Joe Hisaishi, Patrick Doyle, Jan A.P. Kaczmarek, Alexandre Desplat, Mark Mancina o Roque Baños, porque en cualquier momento nos pueden regalar una de esas piezas en las que las imágenes y las notas musicales se fusionan casi a la perfección. Por instantes como ésos, merece la pena afinar nuestros oídos para descubrir estas futuras joyas.

En las imágenes: Cartel de “Star Wars. Episodio IV: Una nueva esperanza” - Copyright © 1977 Lucasfilm Ltd. Todos los derechos reservados. Cartel de “Spider-Man 2″ - Copyright © 2004 Sony Pictures Releasing de España. Todos los derechos reservados.