Aunque la película de Alfonso Arau no es que fuera gran cosa, tratándose de una propuesta romántica sin encanto, Maurice Jarre se las ingenió para escribir una deliciosa partitura que, por cierto, ganó un más que merecido Globo de Oro. El tema central de “Un paseo por las nubes” refleja muy bien el tono de la historia, casi de cuento de hadas, percibiéndose además en él el estilo de tan renombrado compositor (a lo largo de la partitura se puede escuchar con distintos arreglos).

No obstante, su obra no se limita a una sola pieza musical de incuestionable calidad, sino que también nos ofrece alegres movimientos para escenas tan joviales como la de la vendimia, Puede que a algunos les parezca una banda sonora demasiado azucarada y, de hecho, hoy en día pocos colegas de profesión de Jarre se hubieran tomado tantas molestias a la hora de escribir una partitura para una cinta de estas características, pero para mí no deja de ser una muestra de un trabajo muy bien hecho por parte de un artista que no ha logrado acomodarse al sistema hollywoodiense actual.

En la imagen: Aitana Sánchez-Gijón y Keanu Reeves en “Un paseo por las nubes” - Copyright © 1995 20th Century Fox y Zucker Brothers Productions. Todos los derechos reservados.

Es imposible no volver a referirse a una de las bandas sonoras más esperadas del año, la que precisamente ha compuesto John Williams para “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”. El disco, del que ya se pueden escuchar algunos fragmentos en la tienda virtual Amazon y del que ya os hablamos hace unas semanas, saldrá a la venta un par de días antes de que se estrene la película.

Por supuesto, es una delicia escuchar de nuevo la fanfarria del filme, siendo llamativos algunos temas en los que se mezclan el misterio, la vivacidad (sobre todo cuando aparece el personaje interpretado por Shia LaBeouf) o sencillamente describen a alguno de los nuevos personajes de la historia (como, faltaría más, la villana de la función). En general, y a la espera de disponer de toda la banda sonora y de ver la película, Williams sigue fiel a su estilo, incorporando piezas de un acusado clasicismo.

En la imagen: Fotograma de “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal” - Copyright © 2008 Paramount Pictures y LucasFilm. Distribuida en España por Universal Pictures International Spain. Todos los derechos reservados.

Thomas Newman compuso una banda sonora minimalista para “American beauty” que luego fue imitada hasta la saciedad por buena parte de sus colegas de profesión, sin duda compelidos por cineastas y productoras para que calcaran con descaro las famosas notas del tema central de la galardonada cinta de Sam Mendes (de hecho, el propio Newman tuvo que repetir este estilo en algunas de las partituras que escribió con posterioridad, caso de “Cadena de favores”, “En la habitación” o incluso “The Salton Sea”).

Aunque no hay duda de que se trata de una pieza llamativa y muy curiosa, parece que ahora han cambiado los gustos musicales de realizadores y productores, quienes se han olvidado por completo de este tipo de tonalidades musicales. ¿Quiere ello decir que la partitura de Newman no era nada del otro mundo y tan sólo respondía a una moda pasajera? Desde luego que no, si bien soy de la opinión de que en su día se sobrevaloró su tema central y no pocos de sus sonidos experimentales, aunque ello no debería servir para despreciar determinados pasajes en los que las notas del compositor se fusionan a la perfección con las imágenes, tal y como acontece en los minutos finales de la cinta.

En la imagen: Fotograma de “American beauty” - Copyright © 1999 DreamWorks SKG y Jinks/Cohen Company. Todos los derechos reservados.

Puede que a muchos les dé igual, pero personalmente me gusta que los protagonistas de las películas de superhéroes cuenten con un notable tema central que los identifique (buena culpa de estas preferencias la tiene John Williams y la magistral partitura que escribió para “Superman”). John Debney era el compositor que en principio iba a hacerse cargo de la banda sonora de “Iron Man”, algo lógico si tenemos en cuenta que ya colaboró con Jon Favreau, el director de la película, en “Zathura: Una aventura espacial” y “Elf”. Sin embargo, finalmente se optó por Ramin Djawadi, uno de los múltiples artistas que provienen de la inagotable factoría de Hans Zimmer y que ha trabajado en “La lista”, “Mr. Brooks”, “Colegas en el bosque”, “Pregúntale al viento” y “Blade Trinity”, aparte de, cómo no, en la serie de televisión “Prison break”.

Para mi gusto, la música cuenta con excesivos elementos electrónicos, resultando aparatosa y careciendo de personalidad alguna (la mayoría de las piezas podrían haberse utilizado en cualquier película de acción de hoy en día). Ahora bien, el realizador quería este tipo de sonidos para la banda sonora y, desde luego, nadie podrá decir que Ramin Djawadi no ha cumplido eficazmente con su cometido, sobre todo en la secuencia en la que Tony Stark consigue huir de sus captores gracias a la armadura que ha creado. Respecto a los temas de la partitura, más bien parecen esbozos que otra cosa, ligeros apuntes que no se desarrollan y que consisten en meras repeticiones de ritmos que no se quedan grabados en la memoria del espectador/oyente. Por cierto, si tuviera que quedarme con algún corte del disco, precisamente sería el más relajado de todos: «Vacation’s over».

En la imagen: Carátula y fotograma de “Iron Man” - Copyright © 2008 Paramount Pictures, Marvel Studios y Fairview Entertainment. Distribuida en España por Sony Pictures Releasing de España. Todos los derechos reservados.

Aunque considero que la banda sonora de “Chocolat”, obra de la compositora Rachel Portman (quien ganó un Oscar® gracias a “Emma”), no es la mejor de todas las que ha escrito a lo largo de su carrera, no hay duda de que su trabajo es el adecuado para una cinta de estas características y de que se amolda a la perfección a las imágenes que nos brinda el realizador. Ya al comienzo del largometraje nos sugiere con sus notas que lo que vamos a presenciar no es otra cosa que una fábula, un agradable e inofensivo cuento que no pretende engañar a nadie, siendo meritoria la utilización que hace de los instrumentos de viento (los cortes en los que la guitarra es la principal estrella de la función no terminan de convencerme, aunque su inclusión en el relato es completamente lógica).

Portman explica que colaboró con Lasse Hallström en “Las normas de la casa de la sidra”, tratándose de «una experiencia fantástica. Luego me ofreció trabajar en “Chocolat”, una película muy diferente». Respecto a la banda sonora, considera que «hay dos voces en la música de la película. Una es el personaje de Vianne [Juliette Binoche], y la otra es el Conde Reynaud [Alfred Molina]. El personaje de Vianne está muy afectado por su pasado. El tema del viento, la transporta al pasado, y expresa su inquietud. Para su personaje tuve que escribir un tema de viento, que sonara como si la llamara, algo exótico y misterioso y no siempre agradable, porque no siempre le hace sentirse cómoda». Por otro lado, «cuando escribí la música para la escena donde pinta la tienda intenté expresar su libertad. Libertad, ánimo, ligereza».

«La otra cara de la moneda es el personaje del Conde Reynaud. Está arraigado en el pasado y en la formalidad. Así que, es un personaje triste. No quería mostrar sólo a un hombre malo, porque es mucho más. No es tan malo, sientes pena por él. Es melancólico, más formal, clásico. Para él elegí el cuerno francés y a veces el fagot. El fagot es más conservador.y el cuerno francés es más amargo, para sus momentos de angustia». En resumen, «se trata de determinar exactamente el tono. Eso fue lo más difícil junto con equilibrar los temas». Por su parte, Hallström cree que «Rachel hizo una música fantástica, muy precisa, que apoya a la película unificando la historia».

En las imágenes: Rachel Portman en el documental “Making of” - Copyright © 2001 Laurenfilm S.A. Todos los derechos reservados.

Disney ha llevado a los escenarios algunas de sus películas de animación más populares, caso de “La bella y la bestia” y “El rey león”, haciendo lo propio con “La Sirenita” y “Tarzan”, si bien en estos dos últimos casos con escasa fortuna. “El jorobado de Notre Dame” también se transformó en un musical, si bien en este caso sólo se pudo ver en Berlín (de hecho, está cantado en alemán). El estreno de “Der glöckner von Notre Dame” tuvo lugar el 5 de junio de 1999, convirtiéndose en un gran éxito y manteniéndose en cartel durante unos tres años. La propia Disney lo produjo, encargándose de su dirección James Lapine (al igual que en el filme, Alan Menken y Stephen Schwartz se ocuparon, respectivamente, de su música y de su letra).

Es obvio que la película, que a mi parecer es una auténtica maravilla, se alejaba del típico tono familiar de anteriores propuestas de Disney, pudiendo ser ésa la razón por la que se optara por estrenar este musical fuera de los Estados Unidos (todo parece indicar que ya se está preparando la versión en inglés). Al menos existe una edición discográfica en la que podemos disfrutar de los distintos temas que conforman la obra, existiendo algunos completamente nuevos, caso de «Ein bißchen freude», «Esmeralda» o «Trommeln in der stadt», si bien se mantienen otros ya conocidos por el público, aunque con nuevos arreglos, tal y como sucede en el tramo final del relato, que en parte es distinto y más oscuro que el de la cinta de Gary Trousdale y Kirk Wise. De cualquier manera, no deja de ser una auténtica maravilla…

En la imagen: Carátula de “Der glöckner von Notre Dame” © 1999 Walt Disney Theatrical. Todos los derechos reservados. Fotograma de “El jorobado de Notre Dame” © 1996 Walt Disney Pictures. Todos los derechos reservados.

Ya queda menos para que se estrene “Speed Racer” y, cómo no, para que la veamos con la banda sonora que Michael Giacchino ha escrito para esta película de Andy y Larry Wachowski. De momento, y gracias a Road Runner, ya podemos escucharla, destacando el uso que hace el compositor del tema central de la serie de televisión. La música es muy desenfadada y en no pocas ocasiones se asemeja demasiado a la de una serie de dibujos animados, algo lógico si tenemos en cuenta que se trata de una producción familiar.

No obstante, tranquilidad, no faltan los temas de acción, ésos que sin duda se han compuesto para resaltar el carisma del héroe de la película, interpretado aquí por Emile Hirsch. También se escuchan algunos cortes que, al menos bajo mi punto de vista, poseen un estilo muy parecido al que Giacchino empleó en “Alias”, algo que tampoco debería sorprendernos, ya que en el primer tráiler del filme se utilizaba como música provisional la de esta popular serie de J.J. Abrams.

En la imagen: Emile Hirsch y Christina Ricci en “Speed Racer” - Copyright © 2008 Warner Bros. Pictures, Village Roadshow y Silver Pictures. Distribuida en España por Warner Bros. Pictures International España. Todos los derechos reservados.

Una de las mejores bandas sonoras de la Historia del Cine es “La profecía”, obra de ese gran artista que fue Jerry Goldsmith. Su trabajo es realmente sobrecogedor y, de hecho, gracias a ella ganó el único Oscar® de su carrera (otra cuestión es que se mereciera unos cuantos más, pero ya sabemos lo injustos que son este tipo de premios). Aunque para cualquier amante de la música de cine es prácticamente obligatorio poseer cualquiera de las ediciones discográficas de esta partitura, lo cierto es que resulta más difícil ponerse a escucharlas, ya sea para evitar que nuestros vecinos piensen que viven cerca de una secta satánica o, por qué no reconocerlo, para no pasar un mal trago con algunas de las aterradoras piezas que en su día escribió este compositor para la cinta de Richard Donner.

Ahí está «Ave Satani», nominada en su día a los Oscar® en la categoría de Mejor Canción (¿se imaginan que ocurriera hoy algo parecido y que un coro la interpretara durante la celebración de la ceremonia de estos galardones?). Menos mal que, para relajarnos un poquito, también podemos escuchar un precioso tema de amor que describe la relación existente entre los personajes interpretados por Gregory Peck y Lee Remick, un necesario contrapunto a esta lóbrega banda sonora. Lo curioso del asunto es que, para sus continuaciones (“La maldición de Damien” y “El final de Damien”), Goldsmith no se limitó a repetir lo que ya había hecho, sino que escribió nuevos arreglos y temas.

En la imagen: Fotograma de “La profecía” - Copyright © 1976 20th Century Fox. Todos los derechos reservados.

La banda sonora de “Star Wars: Shadows of the Empire” no pertenece a película alguna, sino que se compuso en la década de los 90 como acompañamiento musical de un libro que a su vez se basaba en esta exitosa franquicia de George Lucas. Su autor es Joel McNeeley, cuya carrera cinematográfica, por cierto, no está siendo tan brillante como se esperaba de él (“Sé quién me mató” es su último trabajo). Muchos creían que este artista iba a ser el sucesor de John Williams si éste finalmente no se hacía cargo de la partitura de la nueva trilogía de “La guerra de las galaxias”, pero la realidad nos ha demostrado que semejante tarea le hubiera quedado demasiado grande.

En esta obra, McNeeley no abusa de los temas de John Williams, creando nuevas piezas que se podrían calificar de excesivamente rimbombantes. Para describir Coruscant utiliza unos adecuados coros, mientras que el desenfreno se apodera de las pistas que nos detallan los pasajes del texto en los que prima la acción. Algunos personajes tienen su propia personalidad musical, caso de Xizor, pero, en fin, hablamos de notas que de ningún modo se pueden calificar de pegadizas, algo que contradice al propio universo de “Star Wars”, alejándose algunas de ellas de las características habituales de la saga. Bajo mi punto de vista, creo que en su día se le otorgó una excesiva relevancia a una obra que, estando bien, tampoco es tan redonda como se decía.

En la imagen: Carátula de “Star Wars: Shadows of the Empire” © Varese Sarabande. Portada de “Star Wars: Shadows of the Empire” © Bantam Spectra. Todos los derechos reservados.

Henry Mancini es uno de esos autores que nos ha regalado algunas de las bandas sonoras más memorables de la Historia del Cine. En 1958 escribió una auténtica joya para “Sed de mal”, magnífica película de Orson Welles en la que un honrado policía mexicano, interpretado por el recientemente fallecido Charlton Heston, tiene que vérselas con un corrupto detective estadounidense. La banda sonora ya nos deja completamente deslumbrados con su tema central, una de esas pegadizas composiciones tan habituales en la carrera de este legendario artista.

No obstante, la mayor parte de la banda sonora está formada por piezas que también escuchan los personajes de la propia película y no sólo los espectadores de ésta, algo que se define como música diegética. Buena prueba de ello son los fabulosos minutos iniciales de la cinta, momento en el que nuestros oídos captan ritmos pertenecientes a todo tipo de estilos, desde el jazz hasta, por ejemplo, el rock and roll (no obstante, conviene recordar que en la versión estrenada en 1958 se utilizaba el tema central). Algunos pasajes imprescindibles de la partitura son el dedicado a Tanya o aquellos otros que sirven de acompañamiento a las escenas de suspense de este soberbio largometraje.

En la imagen: Orson Welles y Charlton Heston en “Sed de mal” - Copyright © 1958 Universal Pictures. Todos los derechos reservados.